Министерство ПРОФИ творческий портал для музыкантов, поэтов, композиторов, исполнителей и продюсеров,
где всегда рады креативным, позитивным, неравнодушным и небезразличным профессионалам собственных жизней!
Добро пожаловать в наш НЕскучный Сад!

Алексей Данилов - Аранжировка

17 апреля 2013 - Igor Birulin
АРАНЖИРОВКА
( Перепечатка статьи из музыкального блога Алексея Данилова:
http://danalex.ru/arrange/
)


Да… Есть такая тема, о которой можно говорить много и долго, и в конце разговора не сдвинуться с места ни на шаг. Вопрос «как нужно делать аранжировку» ставит в безнадежный тупик. Начинаешь сам себя спрашивать – ну как объяснить человеку, как это нужно делать, если для работы над аранжировкой требуется не просто компьютер с кучей софта, и даже не студия, набитая синтезаторами и обработкой. Для этого требуется нечто другое – вкус, знания, слух, музыкальный багаж, опыт… Ну, конечно, приличное помещение, адекватный контроль и качественная среда для записи тоже важны.

Так что навряд ли я в последующие несколько десятков абзацев и несколько тысяч слов смогу досконально описать алгоритм создания аранжировки. Тем более – не смогу дать однозначных рекомендаций о том, что нужно сделать, чтобы Ваша аранжировка сразу же зазвучала на всех радиостанциях. Но кое-что я все-таки смогу рассказать. И это позволит Вам избежать наиболее распространенных ошибок. Ну, знаете, как в пословице – чисто не там, где моют, а там, где не мусорят. Примерно об этом и пойдет речь – в большей степени не о том, что делать, а о том, чего не делать.

Итак, самые распространенные проблемы, с которыми приходится сталкиваться, а соответственно и решать их, среднестатистическому аранжировщику.

Форма и содержание

Для начала – надо четко уяснить, что аранжировка – это не произведение. Это обрамление для произведения, способ его подать. Поэтому необходимо задуматься – а соответствует ли содержание той форме, которую Вы собираетесь ему придать? Например, берете песню в жанре шансон и пытаетесь сделать из нее диско. Возможно, конечно, в результате у Вас получится нечто а-ля диско, однако для любителей шансона это будет пощечиной, а поклонники танцевальных жанров, скорее всего, просто пропустят Ваш перл мимо ушей и внимания.

Выбирайте тот жанр, в котором песня будет слушаться максимально аутентично и гармонично. Не нужно русскую хороводную песню пытаться выдать за босса-нову, не стоит из хеви-метала лепить колыбельную. Не, если Ваша цель – эксперименты – то, безусловно, флаг Вам в руки. Но здесь речь пойдет о более-менее стандартном, «академическом» подходе.

Затем – поймите, стоит ли выбранный материал того, чтобы тратить на него дни и ночи напролет, пытаясь вылизать его до «предхитового» состояния. Обратите внимание на исходные данные. Хорош ли текст? Интересна ли музыка? Если в тексте куча ошибок, шаблонов, ляпов – скорее всего, даже с самой хорошей аранжировкой итоговый результат будет у многих вызывать негатив. Если музыкальный посыл бедный и неинтересный – можно, конечно, поупражняться в гармонических заменах, переписать большую часть мелодических линий и так далее, но вопрос – а стоит ли? Может проще взяться за что-то другое или придумать новую песню с нуля?

Безусловно, если речь идет о выполнении коммерческого заказа на аранжировку – тут придется мириться. И биться головой об стену, пытаясь навести глянец и вытащить клещами хит из грустной серой звуко-буквенной массы. Возможно даже, Вам удастся сделать хит из плохой песни, но никогда не получится ее сделать хорошей. А значит, песенка «отпоет свое» на радио и на корпоративах, и будет благополучна забыта. Если вопрос упирается в деньги – да и бог с ней. А если все же имеет место творческий подход – становится печально…

Так что, первая рекомендация – не штопайте синтетические носки шелковыми нитками. Оцените критически материал, с которым будете работать.

Много – не значит хорошо

Одна из главных проблем любого аранжировщика – неважно, опытного или начинающего – сложность взглянуть на свою работу незамыленным, свежим взглядом. Вернее, ухом. Мы придумываем партию, доводим ее до состояния идеала на наш взгляд, а затем начинаем придумывать что-то еще. А первая партия крутится, крутится, крутится, и со временем мы к ней так привыкаем, что начинаем забывать, что она есть. Придумываем еще и еще партии. И к каждой из них привыкаем. И все нам кажется, что аранжировка звучит бедно, что наше мастерство так и не раскрыто, мы можем круче, интересней, масштабнее! И никто не оценит нашей гениальности, если мы не добавим еще один инструмент вот сюда и еще два-три вот сюда.

В один момент наступает осознание, что музыке уже нечем дышать. Мы впихнули в нее столько идей, звуков, партий и голосов, что стало непонятно, что из этого всего – музыка. Начинаем вспоминать – вот, в самом начале я придумал «гениальный ход», а где же он? А, ну вот, его перекрыл другой «великолепный пассаж» или он затерялся среди вот этих двух «замечательных секвенций» или среди ста сорока трех голосов «умопомрачительного хорала». И это еще хорошо, если это осознание все-таки наступает. Потому что в большинстве случаев без вмешательства извне аранжировщик так и не понимает, что слушать «это» нельзя.

И что же теперь делать? Надо от чего-то избавляться… Но от чего? И это хорошо, и это здорово, обидно и жалко, да и времени столько потрачено…

Поэтому – вторая рекомендация. Не клейте обои в два слоя, виден будет все равно только один. Оставьте в аранжировке воздух, пусть слушатель получает наслаждение последовательно, такт за тактом, минута за минутой.

Не заставляйте его напрягать слух в попытках разобрать, что же там такое где-то звучит. Не старайтесь заполнить каждую паузу каким-нибудь звуком. Если сомневаетесь в необходимости партии – значит она точно не нужна. В конце концов, дайте послушать паре-тройке друзей Вашу промежуточную работу, и попросите их покритиковать. И обязательно сами бейте себя по рукам.

Продавайте задорого

Частенько бывает и так – мы придумали интересный по нашему мнению ход, или надизайнили очень красивый звук на синтезаторе. Вставили его после второй строчки. Прослушали – очень хорошо. И думаем – а вдруг кто-то не расслышит этот ход или звук? Добавим его еще разок после третьей строчки, ну и для закрепления после четвертой. И вообще – раз в куплете он так «впирает» – может его и в припеве впихнуть? Ну, хотя бы пару раз? А потом в проигрыше, во вступлении, в коде…

И так – не с одним звуком, а со многими. Что получаем в результате? Тот самородок, который мы нашли, оказался куском гранита, и точно такие же валяются под ногами везде и всегда, и за ними лень наклоняться…

Очень важно подчеркнуть самые удачные моменты аранжировки. Донести их до слушателя. Но также важно не пичкать его морковной кашицей на завтрак, обед и ужин семь дней в неделю.

Итак, совет третий. Продавайте мало, но дорого. Повторите Ваш удачный ход в другом куплете, а лучше через куплет. Пусть слушатель поставит песню еще раз сначала, только ради того чтобы снова услышать именно этот момент.

Привлекайте внимание

Человеческий слух – это часть сложного механизма, часть нервной системы. Это не просто ушные раковины с отверстиями, которые улавливают пульсацию баса и транслируют конечностям ритмичные команды «Дергаться!» (а многим, кстати, и неритмичные).

Задача аранжировщика – стимулировать внимание слушателя, не дать ему заскучать, периодически подкидывать деликатесные звуковые вкрапления, благодаря которым он не переключит песню.

Человеческая психика устроена таким образом – внимание держится от 15 до 30 секунд на одном объекте, а затем возникает привыкание, и мозг начинает искать новые впечатления и ощущения. Зная это – пользуйтесь. У Вас масса средств выразительности: гармония, ритм, темп, тембральные решения, динамические акценты и спады, мелодические подголоски, спецэффекты, пространственная обработка, модуляция (как в музыкально-теоретическом смысле, так и в саунд-дизайнерском) и так далее. Напугайте слушателя, рассмешите его, или придумайте что-то свое. Ваша задача – его внимание.

Но тут важно не переборщить! Не нужно делать из музыки мозаику, если, конечно, перед Вами не поставлена именно такая техническая задача.

В общем, совет четвертый. Не отправляйтесь в пустыню с баночкой колы в надежде, что через пару барханов на пути Вам встретиться ларек. Короче говоря, продумайте элементы для стимулирования внимания на протяжении всей песни, чтобы слушатель не уснул от скуки.

Избегайте клише

Когда-то давно, занимаясь в рамках курса композиции у замечательного преподавателя и композитора Медюляновой Полины Викторовны, я услышал от нее отличную фразу, которую запомнил навсегда. Я много чего сказанного ей запомнил, но эта фраза врезалась в сознание. «Когда композитору нечего сказать, он использует хроматическую гамму или уменьшенный септаккорд». В этой фразе сосредоточены вкус и музыкальная мудрость. И, конечно, она подразумевает не только сами по себе примитивные средства выразительности, каковыми являются перечисленные элементы, но и множество других шаблонных примочек. Эти примочки могут иметь отношение как к композиции, так и к аранжировке, поскольку аранжировка практически в обязательном порядке включает в себя композиторское начало.

Немного поясню. Некоторые шаблонные элементы бывают весьма кстати, когда стоит конкретная задача, и ее надо выполнить в короткие сроки. К примеру, просят композитора написать «слезливую песню про любовь» – тут же к месту приходится «золотая секвенция», стандартный гармонический оборот (пример – Dm–G–C–F–Hm♭5–E7–Am). В таких случаях шаблоны помогают удовлетворить всех – заказчик счастлив («какой же гениальный композитор!»), композитор сыт.

Но все-таки это, скорее, частный случай, хотя и довольно распространенный. А нередко музыкант, придумавший песню, сам же хочет и аранжировать ее, а значит относится к этому процессу не как к ремеслу, а как к творчеству. Но творчество тоже должно иметь строгие рамки, и если уж в этих рамках нарушаются какие-то правила, то эти нарушения должны быть осознанными и оправданными. Так что, придется взять за правило – избегать шаблонов и клише, чтобы не попасть под обстрел коллег-музыкантов, готовых сравнить Вас с любыми поющими трусами на ТВ.

Итак, какие могут быть клише в аранжировке? Их немало. Кое-что, возможно, Вас и самих уже не раз раздражало в «хитах» на радио. Например, произносимые патетическим шепотом последние 3-4 слова песни. Да, да, работа с голосом – это тоже аранжировка. И если каждый аранжировщик будет перед заключительным аккордом всегда делать остановку с паузой (стоп-тайм), заполненной слащавым шепотком – об этом скоро начнут рассказывать шутники из камеди-клаба.

Еще пример шаблона – использование «эффекта Шер» на голосе. Когда-то в конце 90-х певица Шер исполнила отличную песню Believe, и многие слушатели были в восторге от того, как местами был обработан ее голос. С тех пор даже самый замшелый провинциальный продюсер считает своим долгом впихнуть подобный эффект в любую песню, считая, видимо, это признаком хитовости и мастерства. По сути, эта обработка голоса – не что иное как побочный эффект тюнинга вокала, и во многих случаях он является скорее браком. Но ничего не поделаешь – мода есть мода, и по всем музыкальным каналам в каждом клипе мы видим и слышим певцов с «изломами» на связках, издающих странные утробные звуки вместо пения. Причем теперь, спустя полтора десятка лет, этот эффект появляется не эпизодически. Иногда на включенном «жестком» тюнинге поется вся песня.

Другой возможный шаблон – модуляция. Речь о тональной модуляции в данном случае. Почти всегда модуляция – это признание собственной несостоятельности как аранжировщика. Когда аранжировщик понимает, что песня идет к концу, а идей по развитию и подведению к кульминации нет – он использует избитый, проверенный прием. А что? Очень здорово! Скопировать один куплет и припев, а потом раз – и поднять все на полтона или тон. Делов на 15 секунд. Только все, почему-то, забывают, что модуляция – это средство выразительности, которая требует такого же внимательного подхода, как и придумывание мелодии, разработка ритм-секции или создание текста песни.

Есть единичные примеры творческого использования модуляции в популярной музыке.

Элла Фитцджеральд, исполняя Mack The Knife – на протяжении песни постоянно шагала по тональностям вверх и вверх. Смысл этого – не в аранжировочном приеме, а в способе продемонстрировать вокальные способности самой великой певицы.

Аналогично нередко поступал Фредди Меркюри в песнях Queen и в своем сольном творчестве. Всю песню выть по верхам – некрасиво, но и недюжинные возможности вокала тоже грех держать в узде. Поэтому в песнях часто использовалась модуляция, причем даже не на полтона или тон, а и на более широкие интервалы. Очень хороший пример – песня Дэйва Кларка Time, которую исполнил Меркюри. Написанная для мюзикла, песня учитывала особенности вокала певца, и, начавшись в Соль-мажоре, к концу масштабно звучит в До, поднявшись на кварту. Естественно, помимо самого перехода в другую тональность, были применены и другие способы подчеркнуть напряженное движение к кульминации – отыгрыши, насыщение хоровыми партиями, оркестровые тутти и так далее.

Ставшая суперпопулярной благодаря другому мюзиклу песня Belle – еще один пример великолепного владения техникой модуляции и тонкого композиторского вкуса. Риккардо Коччанте, безусловно, мастер своего дела, раз в несколько тактов уводит тональность на малую терцию вверх, замыкая тональный план в тот самый уменьшенный септаккорд, который теперь уже звучит ох как небанально.

Ну, кстати, нельзя не вспомнить и наших соотечественников – песня «Чистые Пруды» Давида Тухманова, ставшая популярной в исполнении Игоря Талькова. Начавшись в C#m, затем, вроде бы примитивно, переходит в Dm. И не было бы тут ничего примечательного, если бы в самом конце, во время грустного и драматического соло аккордеона вдруг не возникла тревожная пауза и тональность не вернулась бы обратно в C#m. Как это сделано – Вы можете найти и послушать эту запись. Это просто шедеврально.

С модуляцией примерно понятно. Не стоит ее делать, если она не нужна. Она должна решать художественные задачи, но ни в коем случае не быть самоцелью.

Хроматические гаммы, уменьшенные септаккорды, стоп-тайм с шепотом – со всем этим тоже нужно быть крайне внимательным.

Про некоторые другие клише я также писал в статье про Текст песни. Текст также является частью песни, и работа над текстом, над его ритмикой, над певучестью – это та же аранжировка. Возможно, для кого-то указанная статья также будет полезна.

В общем, совет пятый. Зеркала бесполезны в комнате, где нет света. Используйте доступные средства выразительности только тогда, когда они оправданы. Каждый раз спрашивайте себя – «зачем я это делаю?».

Основные принципы

И еще немного о том, каких основных принципов стоит придерживаться при работе над аранжировкой.

Принцип контрастов

Принцип контрастности лежит в основе любого вида искусства. Живопись, литература, музыка, кино – везде есть контрастные линии. Натюрморт – яркие фрукты на монотонном фоне. В фильмах и в романах – положительные и отрицательные герои, лирика и острота сюжета. Так и в музыке – про контрасты нельзя забывать.

Куплет разряженный, припев забойный. У певицы низкий тембр голоса? Добавьте тоненький высокий сольный звук в паузах между фразами. Ритм-секция? В куплете хай-хет – в припеве райд, в куплете сайд-стик – в припеве малый с рим-шотом.

И так далее. Используйте свою фантазию, чтобы находить контрасты.

Принцип развития

Не забывайте про Золотое Сечение, принципы которого наиболее четко сформулировал еще Леонардо да Винчи в своем Витрувианском Человеке. Чтобы понять, как принцип золотого сечения реализуется в музыке – необязательно изучать творчество да Винчи (хотя, с точки зрения всесторонней развитости – весьма полезно). Достаточно понять, что эта самая точка находится примерно в третьей четверти Вашего опуса. Примерно к этому моменту Вы должны сделать все, чтобы подвести развитие к апогею. Именно в этой части чаще всего наступает кульминация, за которой следует спад длительностью примерно в четверть произведения.

Также не забывайте про постепенное развитие от куплета к куплету. Причем развитие – это совсем не обязательно уплотнение ткани или добавление других инструментов. Возможно, Вы найдете свой собственный способ развития.

Иногда развитие может быть почти незаметным. Ну, допустим, добавили одну барабанную сбивку, или немного побольше дали дилея или ревербератора на вокале. Или спецэффект какой-то разовый запустили. В общем – сделали какой-то шаг с места.

Часто аранжировщики применяют «голое» фортепиано или гитару в качестве аккомпанемента в первом куплете, добавляют бас и барабаны во втором, гитару с овердрайвом или синтезаторы в припеве, и так далее. Это тоже своего рода шаблон, но это, если можно так сказать, классика, а классика, как известно, не устаревает. Правда, это не значит, что каждая аранжировка у Вас должна строиться именно так.

Один из ярчайших примеров работы над развитием музыкального произведения – песня группы Queen под названием I Want It All. Я довольно часто привожу примеры из творчества этой группы – во-первых, из-за своей большой любви к их музыке, а во-вторых – по причине уникальной ее сбалансированности. Не даром это «классический рок» – в нем соблюдаются практически все законы классической музыки. Однако, как Вы уже заметили, я не выкладываю их записи, чтобы не нарушать права авторов. Каждый сам для себя может решить, где и как их можно послушать, я лишь даю наводки. Очень рекомендую внимательно послушать обозначенную композицию. Пример гениальной драматургии, выстроенной всего лишь на трех-четырех аккордах с незначительными отклонениями. Там и смена ритмов, и плавное насыщение куплетов, и применение различной фактуры аккомпанемента, и мощные драматичные гитарные соло, и качественная проработка коды, великолепная средняя часть, и хоралы, в общем – сама аранжировка это произведение искусства.

Стройность формы

Кроме того, не забывайте про музыкальную форму. Про «третью часть», про «бриджи» (об этом я писал в уже упомянутой статье про текст песни). Не забывайте, что иногда после бурного развития хочется чего-то расслабленного, отвлеченного.

Изучите, почитайте в интернете, какие бывают формы музыкальных произведений. Студентов музыкальных учебных заведений учат этому по толстенной книге «Анализ музыкальных произведений» Мазеля и Цуккермана. Если найдете и осилите – будет большой плюс. Но если даже нет – поинтересуйтесь хотя бы у поисковиков об основных типах музыкальных форм. Наиболее частые формы в популярной музыке – песенная (ААБА), куплетно-припевная (АБАБ), иногда применяется также форма рондо (АБАВАГ или БАВАГА) или простая периодичная форма (ААА). Также опытные композиторы и аранжировщики применяют развитую форму, где помимо куплета и припева есть связующая часть – бридж (АБВАБВ). Вряд ли Вам сразу захочется овладеть приемами сонатной формы, однако если Вы все-таки вникнете в вопрос – это может оказаться довольно полезным знанием.

Это только так кажется, что форма имеет небольшое значение для слушателя. На самом деле, это очень мощное средство психоакустического воздействия на подсознание. С помощью чередования частей Вы вводите слушателя в некое состояние транса, увлекая и удерживая его внимание. Слишком затянутая или слишком короткая какая-то из частей может выбить из нужного состояния, отвлечь и заставить потерять к музыке интерес.

В случае с формой – не нужно ничего изобретать. Музыкальные умы столетиями выкристаллизовывали «рабочие» схемы, которыми мы теперь можем просто пользоваться. Эти схемы воздействуют, прежде всего, на подсознание, поэтому сознательно вряд ли кто-то обвинит Вас в плагиате. Наоборот – если кто-то назвал Ваше произведение стройным по форме – можете быть уверены, Вы услышали весьма лестный отзыв профессионала.

Инструментовка

Основы инструментовки лежат в другой музыкальной науке – в контрапункте. Раньше, когда не было такого разнообразия инструментов, чаще всего в роли оркестра (которого, кстати, тоже еще не существовало в классическом понимании) выступал либо один орган, либо хор, либо, к примеру, клавесин. И партии часто разделялись не по инструментам, а по голосам, по регистрам. Есть верхний голос, средний, нижний… Чаще всего голосов было четыре – по принципу хорала (два женских голоса – сопрано и альт, и два мужских – тенор и бас). Затем стали появляться инвенции и фуги, с более сложными мелодическими рисунками, и, соответственно, часто с меньшим количеством голосов (два или три).

Естественно, когда на органе играются примерно одним и тем же звуком разные голоса – необходимо обеспечить читаемость этих голосов. Соответственно, партии выстраивались по определенным законам (строгое письмо), которые гарантировали, что каждый голос будет восприниматься индивидуально.

Сейчас, когда музыкальные средства стали крайне доступными, развращенные данным обстоятельством аранжировщики часто допускают беспредел в своих творениях. Ограничений по ресурсам нет – внутренний тормоз тоже отключается. Итог – перегруженная, перенасыщенная аранжировка.

В основе любой инструментовки должны быть элементы контрапункта. Одновременно должны звучать следующие голоса (желательно – не более!):
- сольный инструмент (вокал, гитара, синтезатор);
- гармонический инструмент (фортепиано, струнные, гитара, или их аккуратная комбинация);
- ритм (барабаны, перкуссия, драм-машины);
- бас (основа аранжировки, фундамент);
- противосложение (подголоски, заполнения, дополнительная сольная партия).

К этому можно добавить, разве что, разные спецэффекты, и то – надо держать себя в руках, чтобы не переборщить. Подголоски не должны забивать вокал, они должны его оттенять. Инструменты гармонической группы не должны между собой биться ни по партиям, ни по регистрам.

Какие-то из перечисленных элементов могут иногда отсутствовать. Эпизодически можно вкраплять и дополнительные партии – но основная ткань не должна быть перегруженной.

Выражаясь фигурально – если красивую женщину всю увесить золотом – она не то что не станет еще лучше, она рискует рухнуть, переломать ноги и задохнуться. То же и с музыкой. Украсьте ее цепочкой, колечком и сережками, причешите, оденьте, обуйте. И будет красиво. А если сплошные украшения – коллапс.

Взгляд звукорежиссера

Не забывайте о том, что песня не отправляется сразу же на радио после завершения Вами работы над аранжировкой. На эту аранжировку еще предстоит записать голос, сделать сведение и мастеринг. Так что, работая над аранжировкой, думайте о тех, кто сменит Вас на посту.

Если вокалисту будет сложно петь – хорошего исполнения не получится. Певцы – народ хрупкий, чуть что – на нервы, переживают, ничего не выходит… Если аранжировка не дает исполнителю дышать – это плохая аранжировка. Певцу должно быть комфортно. Тогда он и споет красиво и с душой. Тогда и аранжировка Ваша будет слушаться легче и приятней.

Если инженеру сведения на записи будет чересчур сложно укладывать Ваши партии в микс – можете попрощаться с половиной своих находок, он их просто вырежет. Потому что хорошо сведенное меньшее количество партий – лучше, чем плохо сведенная батарея звуков. Каждый аранжировщик должен иметь хотя бы какое-то представление о процессе сведения. Чтобы придумывая партии – заботиться о том, какая их ждет дальнейшая судьба.

Вспомним про соответствие формы и содержания. Хорошая песня хорошо аранжируется. Хорошая аранжировка хорошо сводится. Хороший продукт легко слушается. Рецепт, как видите, простой. Все должно быть хорошо.

Подходите творчески

В общем, как я и говорил – в конце длинного разговора об аранжировке можно прийти к выводу, что с места ты никуда и не сдвинулся. По сути, я не сказал ничего нового или секретного, каждый прочитавший эту статью наверняка не раз ловил себя на мысли – «а я и так это знал!». Да, все описанное – логично и просто. Но в этой простоте сложность представляет иногда необходимость собрать все тезисы воедино, подойти к процессу осмысленно и выдать предсказуемый результат.

Надеюсь, мне все-таки удалось некоторым образом систематизировать всю нужную информацию. Ну, а главный совет, который можно дать любому аранжировщику – слушайте хорошую музыку, впитывайте ее в себя, а по возможности – анализируйте. И тогда никакие правила и законы не будут Вас отвлекать от творчества.

Отдельно хочу поблагодарить подписчиков этого блога, да и просто читателей. Меня очень радует, что каждый день в среднем 4-5 сотен человек заглядывают сюда, ну и то, что количество подписчиков всего за несколько месяцев уже приближается к сотне. Буду стараться раскрывать как можно больше интересных и актуальных музыкальных тем. Надеюсь, ряды читателей будут множиться. Еще раз всем спасибо. Ну, а если Вы еще не подписались – можно сделать это прямо сейчас.

Кстати, всех, кто интересуется звуком и синтезаторами, я также хочу пригласить в свою профильную группу о синтезаторах ВКонтакте. Не забываем ознакомиться с правилами и добро пожаловать в обсуждения!

До новых встреч.

© Алексей Данилов
Комментарии (0)
Добавить комментарий